No deja de asombrarme la ardua tarea de enfrentarse a la labor compositiva por parte de los artistas, bien sea la del escritor frente al papel vacío, la del pintor ante un cuadro en blanco, o a la del músico cogiendo su guitarra o instrumento, (que en la mayoría de los casos en nuestras manos sería un artefacto inútil e estéril), y poner en marcha el proceso único, en que la cabeza ordena, que del silencio, termine saliendo magia en estado puro. Por supuesto que eso no es fácil de conseguir, cualquiera puede ponerse a ello, pero solo unos cuantos elegidos llevan este alumbramiento a la categoría de “Arte con mayúsculas”. No es la primera vez que saco a relucir desde aquí el nombre de Jimmy Page, incuestionable genio compositivo de las seis cuerdas y cuyo bagaje compositivo se eleva a una altura digna solo de los más grandes del género. No es de extrañar, que en este curioso vídeo que tengo a bien de mostraros a los que no lo hayáis visto, como en una extraña o pintoresca reunión de músicos, por un lado el propio Page, The Edge (U2) y el ínclito Jack White (The White Stripes), como estos dos últimos observan con verdadera veneración, como el Mago Page, coge su preciosa guitarra y saca esos maravillosos acordes de ese mítico Riff que es Kashmir, (que no es la primera vez que aparece por Cuenta Discos), y asisten perplejos, a como empieza a emanar hipnóticamente de los amplificadores, como dije antes, como por “Arte de Magia” (negra, seguramente, jejeje…), sus caras reflejan una admiración y respeto únicas, y solo les queda que acompañarle de fondo, y a buen seguro pensaran que nunca podrán componer algo a semejante altura de calidad. Y como “bonus track”, y ya de flipar, son las caritas también que se marcan escuchando los acordes de Whole Lotta Love, mirarlo, mirarlo jejeje… sin comentarios. Todo esto aparece en el Dvd “It migh get loud”, un documental de un tal Davis Guggenheim (como el museo jeje…), y que trata de mostrarnos, al reunir a tres músicos de diferentes generaciones, lo que les motiva a escribir, a como crear tu propio estilo, así como compartir experiencias y mostrarse canciones unos a otros. No cabe la menor duda de que se trate de algo bastante interesante, y que merece la pena echarle un vistacillo, la peli se estreno en USA el 14 de Agosto de 2009, y por estos lares, como casi siempre, paso totalmente desapercibida.
Totalmente desapercibida resulto la visita a nuestro país (por lo menos para mi, ya que de saberlo me abría plantado a que me firmara un buen puñado de Lp´s suyos), del legendario Glenn Hughes, para hablarnos del actual estado por el que se encuentra su último monstruo musical, es decir Black Country Communion, y cuyo álbum de debut, todavía me tiene realmente conmocionado. De esta guisa se planto el pasado 11 de Abril por Madrid para hablarnos del segundo disco del grupo y de paso para adelantarnos en plan acústico, alguna perlita que figurara en el mismo. El tema de marras se titula Cold, y suena increíblemente bien, y nos deja con ganas de tener por fin el álbum completo en nuestras manos, y que a buen seguro hará las delicias en el próximo Azkena, que esta, como aquel que dice a la vuelta de la esquina. A disfrutar pues de este sabroso adelanto.
AQUI OS DEJO UNA ENTREVISTA REALIZADA A GLENN HUGHES DE LAS MUCHAS QUE PULULAN POR LA RED,Y QUE NOS REVELA UNAS CUANTAS COSAS INTERESANTISIMAS.
“Una gran canción siempre nace de lo acústico.”
Glenn Hughes aterrizaba en Madrid para realizar la promoción de lo que será su segundo larga duración con el proyecto Black Country Communion. La obra, que tiene por título 2, dará continuidad a una puesta con miradas al futuro y a una carrera fructífera a la par que extensa. Así nos lo quiso hacer entender el propio Hughes durante una rueda de prensa organizada en las oficinas de Top Artist Promotion. ¿Por qué ha pasado tan poco tiempo entre el primero de los trabajos oficiales de Black Country Communion y este 2?
Editamos dos álbumes tan seguidos para disponer de dos discos en los que poder escoger las mejores canciones para los directos. Además, este año sacaremos para navidades un DVD, CD y Blu-ray. En cualquier caso, somos una banda que en secreto estamos planeando la dominación del mundo. (Risas)
Tocarás este año en el festival Azkena Rock con la banda; aun así, ¿ofrecerás en España algún concierto más?
Estaremos, como decías, el 23 de junio en este hermoso país. Regresaré ya en octubre con mi banda, el combo de Glenn Hughes. Pero, ya digo, se puede esperar mucho de Black Country Communion. Somos una banda real, no sólo un supergrupo.
Aunque hay una fuerte mirada rock, en ‘The Battle For Hadrian’s Wall’ nos encontramos con un posicionamiento totalmente acústico.
Kevin Shirley nos pidió a Joe Bonamassa y a mí que escribiésemos una canción acústica. Una gran canción siempre nace de lo acústico. He escrito diez canciones para este álbum con mi Gibson acústica; Gibson me envió algunas guitarras y ésta es mi favorita de dicha marca. Joe escribió ese tema con su Gibson y, todavía siendo el corte acústico del disco, tiene un sonido realmente rico en matices. Es muy setentas, en la onda de Led Zeppelin. De todas formas, lo remarco: las mejores canciones que se han escrito en el rock han sido creadas con una guitarra acústica; The Who, Jimmy Page, Keith Richards, Lennon y McCartney… Todos acústicos. ¡Fantástico!
¿Te sigues sintiendo el mismo ahora que cuando grababas con Deep Purple?
En aquellos días estaba demasiado cargado, totalmente fuera de mí. Un chico muy joven con el mundo a sus pies, como Ronaldo… Era el Ronaldo del bajo. (Risas) Excepto que Ronaldo no le da a la cocaína. Ahora soy el líder y el tipo más viejo de una banda con corazón juvenil, y además soy el compositor. Quiero llevar a esta formación a la cima del Everest, para quedarnos definitivamente allí. Somos más que un simple proyecto, pues seguramente Black Country Communion represente a la más caliente banda de rock en mucho tiempo. Estamos muy felices. Las ventas van muy bien, y eso hay que agradecérselo a todos nuestros seguidores; y en especial al público español.
Actualmente se puede encontrar en las tiendas una nueva reedición de aquel The Butterfly Ball de Roger Glover. En dicho trabajo cantabais tanto tú (el tema ‘Get Ready’) como David Coverdale o el hoy desaparecido Ronnie James Dio. ¿Qué recuerdas de aquella apuesta conceptual?
Resultó algo realmente divertido. Glover, como bien apuntas, tenía a muchos cantantes preparados: Ronnie, Coverdale, etcétera. Y lo cierto es que terminó todo de una manera muy loca. La canción es una composición netamente resultona y Roger es un tipo estupendo.
Antes hablabas de regresar a España igualmente en octubre, aunque ya con tu banda particular. ¿Será para presentar un nuevo disco de Glenn Hughes?
No, y te digo la razón. Cuando en mayo del año pasado Kevin y Joe vinieron a mi casa, me dijeron que querían que escribiese los temas para 2, pues Joe estaba totalmente ocupado. Y Joe reconoció que lo que yo había escrito para el primer álbum casaba con lo que debería oírse en el siguiente. Así que me fui al estudio con mi Gibson acústica y regresé con diez canciones, con los huesos de lo que sería el trabajo final. Joe puso luego su parte, Kevin también, pero la estructura principal viene de lo que compuse a altas horas de la noche, cuando mi familia estaba durmiendo y la casa estaba totalmente en calma. Escribí letras realmente oscuras para canciones muy duras. ¿Por qué? Porque los seguidores del rock quieren escuchar esa mierda oscura. No puedo escribir sobre mis gustos por el pop o sobre mi amor en cada disco. Vivimos en tiempos oscuros, en un oscuro mundo de mierda. Así que he escrito sobre la muerte, la soledad, sobre los incomprendidos, que al final es lo que son los rockeros.
Y cuál dirías que es la razón de que regreses a las manos de Kevin Shirley.
Me encanta, es el mejor productor de rock de su tiempo. Alguien que ha producido a Rush, a The Black Crowes o Journey, a Iron Maiden, en fin, es lo que yo consideraría un buen amigo al que acercarse. Kevin Shirley es un gran tipo y debe ser él el que conduzca tu coche; a mí me gusta ir detrás cuando el pilota el coche, pues le respeto y sé lo duro que es producir un álbum. Hay que dejarle producir, está claro. Me dijo: «Tú eres el puñetero cantante y compositor. Yo produzco».
¿Tienes intención de convertir Black Country Communion en un proyecto duradero?
Sólo tienes que pensar en los que ahora están en la banda. Joe Bonamassa, posiblemente el más grande intérprete de blues con vida. El nuevo estrellón. El hijo de Bonzo, Jason, que lleva tocando de una manera increíble los últimos cinco o seis años. Y qué decir cuando Derek interpreta en Dream Theater ‘Pull Me Under’; yo directamente pienso en un nuevo Jon Lord. En cuanto a mí, soy un auténtico superviviente del rock. Me gusta la música funky, el r&b, la música negra en general, pero, si a vosotros os sigue pareciendo bien, continuaré como La Voz del Rock… y pienso rockear. Siento a Ronnie James Dio y a Dios, cada uno por un lado, pellizcándome el trasero y diciéndome: «Dale al rock, rockea puto rockero».
Aun así, quiero matizar algo. Yo no me considero La Voz del Rock, pues sería estúpido. Hace algo así como veinte años, cuando participé en el proyecto The KLF (‘America: What Time Is Love?’) todos decían: «La Voz del Rock en KLF». Así que la prensa me lo llamaba y los seguidores también; pero no penséis que yo me creo eso, pues estamos rodeados de grandes cantantes: Rob Halford es el dios del metal, Ronnie era la voz del metal, Tony Iommi es el padrino del metal, Ozzy es el… (Risas). Alguien tenía que ser La Voz del Rock, por lo que siento un gran honor de serlo para vosotros.
¿Cómo te afectó personalmente el reciente fallecimiento de Gary Moore?
La noticia me pilló en Los Ángeles. Me desperté por la mañana en un hotel de la ciudad y tenía una llama de mi oficina de promoción. Me dieron la noticia de que Gary había fallecido. Nosotros habíamos hablado el año pasado, discutiendo la posibilidad de trabajar nuevamente juntos. No sabíamos si él tocaría en uno de mis discos o yo cantaría en uno de los suyos. Nos volvíamos a considerar amigos una vez más. Así que cuando me enteré de su defunción fue todo un golpe para mí, al igual que me imagino que lo fue para vosotros. Resultó algo realmente triste.
Tras colaborar con Heaven And Hell, ¿hay en el horizonte algún otro concierto ya confirmado?
Aquel concierto en Londres con Tony y Geezer fue algo muy, muy triste, difícil. Wendy estaba en un lateral, mi esposa en el otro, el agente de Ronnie también estaba allí, sus seguidores no paraban de llorar… Y yo sólo intentaba cantar como homenaje a mi amigo. Conozco a Ronnie desde 1973, y hasta llegamos a compartir casa en el 79… Wendy, él, mi esposa y yo. Éramos como una familia. Ronnie y yo éramos grandes amigos. Cuando Wendy me pidió que cantase en el High Voltage, por supuesto que le di un sí, pero eso no quiere decir que fuese fácil pues no puedes remplazar a Dio en Heaven And Hell. No importa lo bueno que seas, y lo buenos que sean Robert Plant o Chris Cornell… Al igual que no es sencillo sustituir a Ozzy en Black Sabbath.
Ahora parece que, y aunque se supone que es un secreto, Tony y Geezer han hablado de que Ozzy regrese a la banda. Yo ya fui parte de los Sabbath y no tengo intención de hacerlo de nuevo pues Ronnie James Dio era el único capaz de poder enfrentarse a eso. Es el único que hacía bien el signo de los cuernos con los dedos; cuando ponía así la mano parecía el Demonio y yo sólo parecería un puñetero idiota. En fin, sería un sacrilegio.
Contar con un rejuvenecido David Coverdale, una verdadera “leyenda viva”, recuperado para la causa del Rock a estas alturas de la película, en pleno año 2011, es mas que una excelente noticia., para todos los amantes de la buena música y para, como es mi caso, “Purple/Whitesnake Fanatic Fan” de toda la vida, es un verdadero honor/placer tenerle de vuelta, con mas ganas que nunca, una aptitud positiva ante la vida y alejado por completo “malos rollos y fantasmas del pasado” que le hayan podido atormentar hasta hace no bien poco tiempo. De humanos es caer, y de muy humanos también, es saber volver a levantarse, y hacerlo con dignidad. Bienvenido pues David, has vuelto, pero para quedarte en el sitio que nunca debiste haber abandonado, es decir, entre el “Olimpo” de los mas grandes, que por trayectoria y buen hacer, te pertenece.
Si ya en el 2008 con “Good to the Bad”, se nos marco un pedazo de disco de quitar el “sentio”, solo cabía apuntalar esta progresión con este nuevo larga duración, de Siiii!!!, mas material nuevo que llevarse al a boca y los oídos, y de igual calidad que el anterior al menos (y al que le pique, ya sabe...), porque que fácil resulta para algunos, ridiculizar y maltratar, a quien consideraban ya un cadáver musical. Pues “chuparos” esta.
Con casi la misma formación que en el anterior disco, es decir; Vozarrón Mr.Coverdale, las guitarras para Doug Alldrich y Rob Beach, Timothy Drury on Keyboards, y una sección rítmica a cargo de Michael Devin al bajo y a los parches Briian Tichy, que cumplen el cometido de acompañar en todo momento a las mil maravillas.
Al grano, la encargada de abrir el disco como un ciclón es “Steal Your Heart Away” con unos aires Bluesy´s/Metaleros que te hacen entrar a saco y disipan “por si las moscas”, cualquier duda inicial que pudieras tener, y te deja bien a las claras lo que te vas a encontrar, un compendio bien equilibrado de todos los Mark´s de la “Serpiente Blanca”, desde la etapa mas clásica y añorada de ellos, pasando por la “Air-Heavy”, ramalazos mas introspectivos de su época pre-whitesnake, todo ello tamizado por un sonido mas “actualizado” y exento por completo de “fuegos artificiales y trucos pirotécnicos sonoros”. “All Out Of Luck”, es otra buena prueba de ello, “copon”, no consigo sacarme este “riff” del cerebro, muy en la onda de Glenn Hughes en solitario, Snnniiifff!!!, para cuando estos dos tipos se van a juntar para sacar algo de nuevo. Lo que fue su adelanto de presentación del Lp “Love Will Set You Free”, espléndida en todos los aspectos, con ese “aire” familiar de los primeros 80, pero “de ahora”, no se si estare flipando, pero si os fijais en el estribillo, se me vuelve a aparecer Hughes como por arte de magia, seran las ganas que tengo, pero el tema suena de muerte. Ooooh! “Eaiser Said Than Done”, medio tiempo, marca de la casa, respiraciones “Deep” incluidas, que delicia, “Coverdale Come Back”, y se hace notar, se le ve en su salsa, y no queda sino disfrutar. Que delicia. “Tell Me How”, mete una marcha mas al asunto, y al compás de su entrecortado ritmo, te hace mover el cuerpo como sin querer, fantástico solo a cargo de Aldrich, otro de esos temas que se resisten a abandonar tu cabeza. Algo parecido ocurre con “I Need You (Shine A Light)”, baby, baby... please, como solo sabe sonar de su boca y ese toque vacilon que tambien se sabe currar. Bien, vamos bien... Entre mis favoritas se encuentra “One Of These Days”, con un ritmo fresco y sosegado, que nos muestra la cara mas “Crooner” de Coverdale, en el que parece desenvolverse especialmente a gusto, y que no me importaría para nada que dirigiera sus pasos en el futuro. Para subir la temperatura “Love & Treat Me Right” y “Dogs In The Street”, adrenalina en estado puro, para que no se diga, canciones de esas, que como poco, te apetecería escuchar en cualquier garito un sábado por la noche, para no parar de mover las caderas y agitar la cabeza como un loco, así a pares...jejeje...Rockeando a muerte... De nuevo llega la tregua con “Fare Thee Well”, un poco de sosiego con “denominación de origen”, suave...suave...no tengas miedo, déjate llevar...no querrás que pare...otra de mis favoritas, y van... Cualquier canción de Whitesnake que incluya la palabra “blues” en ella va a misa, así sucede con “Whiping Boy Blues”, con unos efectos al mas puro estilo de la etapa Cov./Page, Yeeeahh!!!, esto suena del “copon”, llena de fuerza y sentimiento. Sin tiempo de respirar, “My Evil Ways”, prosigue la senda propuesta, y de nuevo consigue atraparme sin remisión, prestar atención a unos agudos de alto voltaje que te hielan la sangre. Y el “paraíso” echo canción, Aaaaah!!! “Viejo zorro”, querías que llegáramos a este punto, rendidos, extenuados, sin poder de reacción, para poder disponer de nosotros a tu antojo y colarnos este “chute” que es “Forevermore” en lo mas profundo de nuestro ser, convertido ya en todo un “clásico” de la banda desde su propio alumbramiento, es una canción descomunal, impropia para estos tiempos que corren, solo se me viene a la mente algo parecido con “Song Of Yesterday” de los Black Country Com..., (otra vez Hughes se cuela por aquí...). Con un arranque decididamente bello y pausado, no hace sino engordar, entre cortinas de sonido brumosas y exóticas, para ir alcanzando un clímax, que facilita desplazar tu mente, sin necesidad de viajar...una experiencia total...(y juro que no hago este comentario bajo los efectos de ningún psicotropico...jejeje...). Vaya “PELOTAZO”.
BONUS TRACK: *“Love Will Set You Free (Alt Mix)”: Apenas tengo el disco unos días, y ya es como si llevara escuchando este tema “Forever” ¿More? Jajaja...set you free?...set you free?...tardas tiempo en poder desalojarla de tu “azotea”, me reafirmo ...¿os imagináis acompañado por Hughes?. * “Forevermore (Acoustic Versión)”:El temazo, aquí desnudo, no hace si no reafirmarme en lo anteriormente dicho. De una extraña belleza extra-terrenal. De 10. * “Mi Evil Ways (My Evil Drums Mix)”: Hiper-cañera, aquí con doble racion de retumbar de tambores, alza el volumen y que lo escuche todo el vecindario, ¿van a flipar!.
Si hay una canción, que represente la llegada del renacimiento de la naturaleza y de la alegria de vivir, (al menos para mí) es esta "Walking On Sunshine" de Katrina & The Waves, aun que todavia hace mal tiempo, eso ya es pasajero, cada dia que pasa, estamos mas cerca de las terrazas, los colores vivos, las cervezas frescas al aire libre, los peseos bajo las estrellas, las camisas floreadas y el sol luminoso.
¡¡¡SABES QUE NO DEBERIAS DE ACTUAR ASI ANTE LAS CAMARAS GILLAN!!!;
Esto es lo que parece estar indicándole Roger Glover a su buen amigo y compañero de fatigas de Deep Purple, pero solo en apariencia. De todos es conocido las tremendas facultades vocales de Gillan, plasmadas en incontables discos y etapas a lo largo de su ya dilatadísima carrera musical, y sus furibundos rugidos y gritos, no cejaron de atronar en nuestros aparatos reproductores de música, desde el principio de los tiempos. Y no voy a negar la particular debilidad que siento personalmente hacia este cantante, por mucho que actualmente no atesore ni un 25% de las facultades de antaño, pero que las suple con profesionalidad, buen hacer y sabedor de sus limitaciones vocales actuales, lógicas a todas luces. Pero en el apartado que nos ocupa, conocido es también, la asombrosa capacidad de ingesta de alcohol, y a consecuencia de ello, de hacer el cabra por medio planeta, haya por donde quisiera que pasara. Celebre es su aparición por Madrid, sobre el año 82, con su banda en solitario, donde a puerta cerrada en un Pub del barrio de Malasaña, arraso, literalmente con el local de marras y donde creo, figura todavía un cartel con su “gepeto”, donde se pone precio a su cabeza jejeje…(licencia literaria, por supuesto…). A buen seguro que este video os hará pasar un buen rato, viendo las caras y poses de los tres protagonistas del mismo, es decir, Gillan, Glover y la sufrida entrevistadora alemana que lucha por hacerse entender. Comentar también que todo esto sucedía, en la gira de presentación de su segundo Lp tras la reunificación del MarkII, el “House of the Blue Light”(1987)
Personaje controvertido donde los haya, sin punto medio entre sus detractores y sus admiradores (como es mi caso). Denostado por los puristas del Rock, aduciendo que se trata de un simple producto de Marketing, de consumo rápido y acusándole de “vampirizar” todo lo que toca, alimentandose de fuentes ajenas, reciclandolas y terminando por hacerlas suyas. Si, puede que haya un poco de todo eso,no lo voy a negar, pero a los que nos gusta su música nos limitamos a escuchar cada uno de sus discos y a disfrutar con ellos, ya sea con sus temas mas rápidos y Rockeros, o con sus maravillosos medio tiempos, facturados todos ellos con una exquisita sensibilidad. No por ello voy a dejar de reconocer de donde pueden venirle las fuentes de inspiracion, porque resultan a todas luces más que evidentes, a saber: Led Zeppelin, The Beatles, Hendrix, James Brown y un largo etc… pero no es menos cierto, que todo el mundo quiere dejar bien claro cuales son sus influencias y es mas, las proclaman a los cuatro vientos, como constatando que tienen un buen bagaje de cultura musical y que se han empapado bien de sus artistas favoritos y no pierden la ocasión para reinvidicarlos. ¿Entonces cual es el problema con Lenny?, que suena en las radios comerciales (cierto), que puedes escuchar sus temas en el hilo musical del Carrefour (cierto también), o acaso sienta mal, ver su careto en la carpeta de una jovencita a la salida de cualquier instituto, o es que da rabia, que digamoslo de alguna manera, tenga un innegable “sex-apell” y éxito entre el público femenino…a mi personalmente todo eso me da lo mismo, siempre y cuando, yo, conmigo mismo, haya pinchado cualquiera de sus discos y me hagan disfrutar de lo lindo con lo que escucho. Multiinstrumentista, amante de lo retro, minucioso hasta el límite con sus trabajos, y con un bagaje de ya mas de 22 años desde su debut, con aquel increíble “Let Love Rule" (1989) hasta su último, tambien buenísimo, “It Is Time for a Love Revolution (2008)”, me gusto lo que hízo, con sus altos y bajos, como todo “Quisqui”. Con lo cual, la notícia de que este mismo verano, tendremos un nuevo lanzamiento suyo tras 3 años de barbecho, y bajo el título de “Black and White America” y que contara con 12 nuevos cortes, personalmente y a nivel particular, me resulta una excelente notícia, y que por supuesto adquirire, como no podía ser menos, si no, a los abusivos precios iniciales, sí cuando se ponga a 6 pavos o así..jejeje… dado que tengo toda su discografía. Pues a los que nos gusta su música felicitarnos, que estamos de enhorabuena, y a los que no, pues a otra cosa…
LA ULTIMA APARICION DE KRAVITZ, ESTE MISMO FIN DE SEMANA, AMENIZANDO LOS "ALL STAR NBA",NUESTRO GRAN GASOL INCLUIDO, TODO ESPECTACULO.¡¡QUE ENVIDIA A ESTE LADO DEL CHARCO!!...
Focus es el nombre de una banda de rock holandesa, formada en 1969 por 4 músicos con formación musical clásica : el teclista y flautista Thijs van Leer, el guitarrista Jan Akkerman, el bajista Martin Dresden, y el batería Hans Cleuver. Van Leer y Akkerman llevan el peso de la composición de las canciones, generalmente instrumentales. La banda se suele clasificar como de rock progresivo. Tuvo sus comienzos en 1969 en Ámsterdam, con la conjunción de Thijs van Leer Trio y Jan Akkerman.
Historia
Inicios
En 1970 Focus fue contratado para la interpretación musical de la obra Hair (muy representativa de su época) en Holanda, como miembros principales de una orquesta de nueve músicos. En el álbum de la versión holandesa de Hair se escucha a Van Leer, Dresden, Cleuver y Akkerman juntos por primera vez. Los cuatro músicos iniciaron una gira de seis meses, y ese mismo año grabaron su álbum debut titulado Focus Plays Focus, con pistas vocales e instrumentales; House Of The King (compuesto por Akkerman en España) y Anonymous son los temas más destacados. Sin embargo, se vendieron sólo 8.000 copias del álbum; técnicamente la calidad dejaba mucho que desear. Al principio se lanzó sólo en Holanda, pero dada la creciente popularidad del grupo, para darle mayor distribución el álbum fue reeditado en Londres ese mismo año con el título In And Out Of Focus, producido por Hubert Tereggen. House of The King fue un éxito y se mantuvo varias semanas en el ranking holandés. Focus aún no tenía bien definida su orientación musical, inclinada a veces hacia el estilo más clásico del Thijs van Leer Trio, y otras a la guitarra predominante de Akkerman.
Al cabo de unos pocos meses, Akkerman se rehusó a seguir con Dresden y Cleuver, decidió llamar al percusionista Pierre van der Linden (con quien había tocado en Johnny and The Cellar Rockers, The Hunters y Brainbox) y dio a elegir a Van Leer entre seguir con ellos o quedarse con su trío; Van Leer optó por seguir con Akkerman y Van der Linden. También invitaron a Cyril Havermans como bajista y vocalista. Pierre van der Linden, nacido en 1946 en Ámsterdam, comenzó con percusión desde muy pequeño; inicialmente fue autodidacta pero luego tuvo la guía de Louis De Heer, percusionista de la Orquesta Sinfónica de Ópera de Holanda. Sus primeras influencias fueron Miles Davis, Elvin Jones, Charlie Parker y John Coltrane, entre otros. Por su parte, Cyril Havermans había participado en Hair e integrado los grupos Big Wheel, The Heralds y Spatial Concepts. Fue convocado principalmente por su capacidad como vocalista y compositor, más que como bajista.
Nuevos Integrantes
Con esta nueva formación, que mantuvo el nombre Focus, trabajaron en su segundo álbum, Focus II, o Moving Waves (título que tomó fuera de Holanda), grabado en abril y mayo de 1971 en Londres. Contrataron como productor a Mike Vernon (que había trabajado con Fleetwood Mac, John Mayall, Ten Years After y legendarios músicos de blues, y que continuaría como productor del grupo), apuntando al público de habla inglesa. Este aclamado álbum, un clásico del rock holandés, ejemplifica los diversos estilos musicales e influencias del grupo, e incluye el ahora legendario tema Hocus Pocus, donde Van Leer aplicó por primera vez el canto estilo tirolés.
En el álbum se destacan Le Clochard y Janis, entre otros, con delicados matices que capturan la esencia de Focus. Asimismo, el álbum manifiesta una acertada combinación de clásico, rock y jazz. El lado 2 consiste en un extraordinario tema conceptual, Eruption, compuesto principalmente por Van Leer, con arreglos de Akkerman y editado por Mike Vernon. Tanto el álbum como Hocus Pocus se convirtieron en un hit; el grupo ganó popularidad y apareció en la televisión británica por primera vez en noviembre de 1971. En diciembre del mismo año hubo otro cambio en la formación de Focus. Cyril Havermans dejó el grupo para seguir su carrera como solista, y fue reemplazado por Bert Ruiter en bajo y voces. Ruiter nació en 1946 en Amsterdam; comenzó con la música cuando tenía doce años. Si bien su madre, pianista, le enseñó los primeros pasos, Ruiter fue principalmente autodidacta; aprendió y se perfeccionó escuchando y tocando con otros músicos. Su primer grupo fue The Spectacles; tuvo su debut profesional a los 19 años con los Jay-Jays, que estuvieron de gira por Holanda durante un año. Junto con un guitarrista amigo creó un grupo llamado Full House, y posteriormente tocaron en teatros y clubes nocturnos en Holanda, Bélgica y Alemania durante varios meses.
Antes de integrarse a Focus, Ruiter formaba parte del grupo Angelflight Railways, que tocaba en clubes de Amsterdam. Con él como nuevo integrante comenzaron a grabar su tercer álbum, Focus III. En principio tenían pensado hacer un solo álbum, pero dado que habían grabado tanto material en apenas tres semanas, decidieron lanzar un álbum doble, que trepó directamente al primer puesto en los ránkings holandeses. El tema Sylvia, de ese álbum, fue un éxito. Diversos medios especializados calificaron a Focus como “Mejor grupo extranjero”; Jan Akkerman fue considerado “Mejor guitarrista del mundo”. Ese mismo año Focus inició una gira por los Estados Unidos de costa a costa, destacada con un show en el Phillarmonic Hall de Nueva York y en la TV de ese país, lo cual hizo que se quedaran más tiempo del que habían planeado. Estaban en la cima; sus discos habían ganado enorme popularidad y eran aclamados en su tierra natal y en el exterior. En mayo de 1973 sale a la venta Focus Live At The Rainbow, grabado en vivo en el Rainbow Theatre de Londres, testimonio del poder que tenía su sonido en vivo en esa época. En 1974, Van der Linden decidió dejar Focus porque el estilo del grupo ya no era de su agrado: Bert Ruiter quería hacer de Focus un grupo más comercial, orientado al mercado de Estados Unidos. Van der Linden fue reemplazado por el percusionista escocés Colin Allen, que previamente había tocado con Stone The Crows y John Mayall.
Con el nuevo integrante se terminó de grabar Hamburger Concerto, en vivo; el último de la época de esplendor del grupo. El disco recibió críticas positivas pero no obtuvo mayores ventas. Focus emprendió una nueva gira internacional, y a fines de 1974 se editó una recopilación de sus temas con el título Masters of Rock. En 1975 crecieron las tensiones dentro del grupo. Comenzaron a grabar el siguiente álbum, Mother Focus, en el cual Allen alcanzó a tocar sólo un tema, pues decidió dejar la banda apenas un año después de haber ingresado, debido a las tensiones internas. La grabación (realizada Los Ángeles, excepto un tema en Bruselas) fue finalizada con el percusionista de sesión David Kemper, nacido en Estados Unidos. Para muchos, este álbum ya carecía del verdadero sonido Focus, e indicaba el cambio de estilo del grupo, ahora con una orientación más funky. Debido a este cambio en la dirección musical se agravaron aún más las tensiones entre Akkerman y Van Leer, que habían comenzado tiempo atrás. Desde el principio ambos tuvieron puntos de vista opuestos, pero el respeto mutuo y su coincidencia en lo musical los habían mantenido juntos.
Esta vez, sin embargo, las diferencias musicales parecían constituir la causa de un evidente alejamiento entre ambos. Akkerman se distanció abiertamente de Mother Focus; afirmó que se había grabado sólo para el mercado estadounidense; se trataba de típica música norteamericana, que nada tiene que ver con Focus”. Las críticas dieron la razón a Akkerman: sostenían que el álbum era bastante insípido y carente de la otrora magia de Focus.
La salida de Akkerman
A comienzos de 1976, Jan Akkerman dejó Focus y continuó su carrera como solista, que había iniciado en 1973. Focus hizo un paréntesis hasta 1977. Durante ese período sólo se editó una compilación con material inédito, producida por Mike Vernon, titulada Ship Of Memories. Para muchos, Focus había perdido su impacto, su espíritu y su éxito. Como reemplazo de Akkerman ingresó el guitarrista de jazz-rock belga Phillipe Catherine. Se integraron también Steve Smith en percusión (había trabajado con Jean Luc Ponty, y posteriormente en Journey), Jons Pistoor (ex de Maggie McNeal) en teclados, Eef Albers en segunda guitarra y P.J. Proby en voces. En 1978 grabaron un nuevo álbum: Focus Con Proby, que incluía antiguo material no utilizado previamente, remezclado por el productor Mike Vernon, con las voces de Proby. El álbum recibió críticas negativas.
Un largo receso
La magia ya no existía y Focus inició un largo paréntesis, que algunos consideran como el final del grupo. Thijs van Leer continuó con su carrera como solista. Inesperadamente, en 1985 Thijs van Leer y Jan Akkerman se reunieron y grabaron un álbum llamado Focus (conocido como Focus: Jan Akkerman & Thijs van Leer), con músicos invitados: Tato Gómez y Ruud Jacobs (bajo), Ustad Zamir Ahmad Khan (tabla), Sergio Castillo (batería que junto a Tato Gómez ya había trabajado con Van Leer en el espectáculo "Rock & Ríos" de Miguel Ríos) y Ed Starink (programación de percusión). En cierta medida, el álbum tiene sonidos típicos del antiguo Focus, con largas piezas instrumentales y teclados polifónicos, aunque ya incluyen el uso de batería electrónica, secuenciadores y otros equipos electrónicos. Si bien tuvo buenas ventas, el trabajo no recibió buenas críticas, y ambos músicos volvieron a separarse.
Los 90
En 1990 Focus participó en dos programas de TV holandeses, con su antigua formación: Bert Ruiter, Pierre van der Linden, Jan Akkerman and Thijs van Leer, presentando temas clásicos del grupo. En 1993, Van Leer y Akkerman aparecieron juntos en el tradicional "North Sea Jazz Festival" de Holanda. En 1998, Thijs van Leer intentó reagrupar nuevamente a Focus, esta vez con los ya conocidos Bert Ruiter y Hans Cleuver, y Menno Gootjes en guitarra, pero antes de comenzar la gira se separaron por problemas entre Ruiter y Van Leer.
El 2010 la marca de indumentaria deportiva Nike, con motivo de la Copa Mundial de Futbol Sudáfrica 2010, usa para su spot "Write the future" el éxito "Hocus Pocus" , lo que confirma la vigencia de este exitoso grupo Holandes.
Discografía
Álbumes
In and Out of Focus (Enero de 1971)
Moving Waves (Octubre de 1971)
Focus III (Noviembre de 1972)
Focus at the Rainbow (Octubre de 1973)
Hamburger Concerto (Mayo de 1974)
Mother Focus (Octubre de 1975)
Ship of Memories (Septiembre de 1977)
Focus con Proby (Enero de 1978)
Focus (Agosto de 1985)
Focus 8 (Enero de 2002)
Live at the BBC 1976 (Mayo de 2004)
Focus 9 / New Skin (Septiembre de 2006)
Sencillos
Hocus Pocus / Janis
Sylvia / Love Remembered
House Of The King / Black Beauty
House of the King / O Avondrood (versión vocal de "Red sky at night")
Tommy / Focus II
Harem Scarem / Early Birth (Es una versión alternativa acortada de la pista "Birth" del álbum "Hamburger Concerto")
En fin amigos, cada vez van quedando menos, esto ha sido una sorpresa para mí y supongo que para todos. Recordemosle en acción que es como se debe recordar a los buenos rockeros. Va por ti Gary
La actuación que tenía previsto dar hoy el mítico batería Ian Paice, junto a la banda tributo a Deep Purple, llamada "Hush", "en la sala Heineken de Madrid, se a visto obligada a suspenderse. Los motivos, un cólico renal, del que tuvo que ser ingresado de urgencia, y del que tardara un tiempo en recuperarse. Mucho ánimo para el bueno de "Paicey" (uno de los mejores bateras de la historia del rock), y con el deseo de verle de nuevo sobre las tablas de un escenario, en el mas breve espacio de tiempo posible, tanto con Purple, haciendo clinics o con bandas tributo como "Hush". Nos tendremos que conformar con verlo en vídeo (una vez más, y las que hagan falta...) con su grupo de siempre, hay que recordar que Paice es el único miembro original que queda en activo de Deep Purle. Que mejor manera de hacerlo, que con esta rara versión "live" del Highway Star en sus años dorados del Mark II, Ooooh Yeah...!!!. A disfrutarlo.
El 4 de enero de 1986. Una trÁgica noticia sacude a todos los fans del hard-rock: Phil Lynott, el inconfundible líder de la banda irlandesa Thin Lizzy, fallece en Salisbury (Inglaterra) a causa de un fallo cardiaco provocado por una sobredosis de heroína. Tenía 36 años. Hoy una estatua de Lynott preside el pub Bruxelles, en la céntrica Harry Street de Dublín. Todo homenaje es poco: el líder de Thin Lizzy contribuyó de manera decisiva al desarrollo del rock irlandés gracias a canciones como Jailbreak, Massacre, Cowboy Song, o sobre todo, The boys Are Back in Town, uno de los más inolvidables himnos generacionales de la historia del rock. Ahora, tres de los miembros que formaron parte de la banda, el guitarrista Scott Gorham, el batería Brian Downey y el teclista Darren Wharton, han decidido rendir homenaje a su desaparecido líder y compañero de la mejor manera posible: recordando su legado con una gira internacional que pasara hoy por Madrid. Para ello contaran con la presencia de Ricky Warwick, que se hará cargo de las voces, el guitarrista Vivian Campbell( ex de bandas como Dio, Whitesnake o Deef Leppard) y el bajista Marco Mendoza (antiguo componente de Ted Nugent y los propios Whitesnake de Coverdale). La colección de canciones que interpretaran en el escenario de Joy Eslava, estará formada exclusivamente por todos los grandes clásicos de la banda. Un viaje directo sin escalas a los años 70 y 80.
*NOTA BY THUMB:He querido respetar la noticia integra, tal y como aparece en el diario gratuito 20 minutos, ya que me parece superescueta, con calidad y directa al grano. Todavía, imagino, para los mas rezagados, estáis a tiempo de haceros con un Ticket para esta noche (yo por desgracia no podre acudir). También recordaros que mañana sábado 29, tocaran en Bilbao (Bilboa Rockstar Live) y el domingo 30 en Barna (Sala Apolo). Una ocasión única para disfrutar de todas y cada una de las canciones de esta mítica banda, y a buen seguro que el espíritu de Lynnot se hara notar esta noche.
LOS BUENOS AÑOS DE LA BANDA CON LYNOTT
ACTUALIZACION A 15/01/2011: Aquí os dejo una página Web, donde podreis comprobar como fue el concierto, el set-list y fotos variadas de los Thin Lizzy, concretamente el de Madrid, en la sala Joy Eslava, dentro de la mini-gira, que les acerco tambien por Bilbao y Barcelona. Y que mejor manera que de la mano del "histórico" Rafa Basa, todo una institucion en esto del cotarro musical roquero en Madrid.
Hoy, me he levantado, con esta melodía de este trobador moderno en la cabeza y he querido compartirla con todos vosotros, para mí es una de las más grandes canciones jamas compuestas, por que es eso como la vida misma y me recuerda constantemente que la vida es bella. Disfrutàdla. (La canción y la vida por supuesto ja, ja, ja... )
Sobre Black Sabbath, siempre es un placer hablar o escuchar su música. Y como ya me traía a mal traer, no tener publicado nada sobre ellos, pues me he dicho; porque no disfrutar en una mañana tan soleada como la que tenemos hoy de su “tenebrosa presencia”.Y nada mejor que ello, que tenerlos a plena luz del día, muy alejados de lo que se consideraría su hábitat natural, y encima en un macro festival, como el California Jam en pleno año 1974, todo un hito en la música Rock, y que nos dejo actuaciones históricas como la de Deep Purple, ELP, Eagles, Rare Earth, Black Oak Arkansas, Earth Wind & Fire, Seals and Crofts y ellos mismos, en un ya lejano 6 de Abril de dicho año. A destacar también su colorida y hippesca puesta en escena (para lo habitual en ellos), y a una ocasión casi unica de ver a Tony Iommi sin su popularísimo y sempiterno mostacho.
NUNCA ME CANSARE DE ESCUCHAR ESTE PEDAZO DE TEMA.
Y si os apetece pasar un rato mas que entretenido, repasando su discografía, curiosidades, anécdotas, distintas formaciones, etc...etc...has de pasarte por este enlace que os dejo a continuación.
Recuerdo, aun no hace mucho tiempo, el enorme placer que me proporcionaba el salir a buscar nueva música que llevarme a los oídos, dejandome llevar simplemente por los sentidos, vagaba absorto durante horas por los pasillos, por las estanterías, por los diferentes géneros musicales, artistas en solitario, grupos, etc, etc… primaba cierto sentido común, a la hora de elegir..jeje…, diseño de la portada, ciertos artículos leídos en las pocas revistas del genero que existían, y un mucho de ganas de descubrir, de ser el primero en escucharlo para ir corriendo a mostrarlo a mis amigos, a mi hermano mayor, (con el que compartía y comparto un sana rivalidad musical, y un intercambio vital en estos temas), en tiendas que hoy en día ya no existen, (Discoplay, MadridRock, M.F…), y que ya no pueden ser suplantadas, de modo alguno, por mucho Internet y grandes superficies que haya.
De esa guisa, estaba dandome mi vuelta dominical de rigor por “El Rastro”, lleno de puestos callejeros, de artículos mil, de todo tipo e índole. Cuando, como no podía ser de otra manera, mi vista aterrizo sobre cierta caja de cartón, aposentada en algo parecido a una manta, que bien pudiera haber sido un felpudo, y siii!!! llena de Cedese´s de todo tipo, zarzuela, villancicos, clásica, y otros, cuyo nombre me niego a reproducir aquí..jejeje… y en medio de todo este “maremagno”, allí asomaba una cara conocida, ¡Coño!, pero si es Cozy Powell, Ummm!! The Best of:Cozy Powell, ¡Vaya!, cuanto pide por el,Jefe?, ¡1€!, bien, me lo llevo.
Eso si que es un trueque arcaico, tu te vas con la sensacion de llevarte una ganga, y el “Tipo” gana 1 Pavo, todo perfecto. Ahora todos los domingos, voy con mis mejores “pinturas de guerra”, en busca del mejor trofeo que mostrar a mis camaradas de fatigas, a mi hermano…a veces hay suerte, otras no tanto…, pero así era al principio ¿Verdad?. De esta manera fue como me hice con mi ultima adquisición de 2010, un tanto peculiar, la verdad.
Sobre el disco en si, me sorprendió bastante, teniendo en cuenta que no poseía nada de el en solitario. Resulta ser, no una recopilacion de toda su carrera, si no que se centra exclusivamente en sus tres primeros discos; De la 1 a la 6 temas de “Over The Top” (1979), de la 7 a la 9 de “Tilt” (1981) y de la 10 a a la 16 del “Octopuss” (1983), con lo cual se obtiene una perspectiva bastante clara, de esos discos en concreto, y saber que hacia en sus pocos periodos de descanso, teniendo en cuenta la febril actividad de Cozy en aquellos años.
Abundan la mezcla de generos, bastante influenciado por los toques Jazz-Rock, de su amigo Jeff Beck, ciertos toques de Funk-disco de la época y hasta pomposos temas pseudo-clasicos (afortunadamente solo un par de ellos), largos y épicos desarrollos instrumentales, y el potente y seguro atronar de su bateria como base de todas ellas…el se lo podia permitir, ahora no estaba tocando para Rainbow, Whitesnake, M.S.G, o quien fuera, podia dar rienda suelta a sus inquietudes artisticas, sin el corse establecido de este o aquel grupo. Resaltar tambien que todos los temas son instrumentales y el elenco de musicos que le acompañan es sencillamente impresionante. Altamente recomendable, para el que quiera acercarse un poco mas a esta mítica figura del Rock con mayusculas, y tristemente fallecido en 1998 en un accidente, de como no, de trafico.
• Jeff Beck Group - Rough & Ready (1971) • Jeff Beck Group - Jeff Beck Group (1972) • Donovan - Cosmic Wheels (1973) • Murray Head - Nigel Lived (1973) • Tony Ashton / Jon Lord - First of the Big Bands (1974) • Rainbow - Rising (1976) • Rainbow - On Stage (1977) • Rainbow - Long Live Rock 'n' Roll (1978) • Rainbow - Down to Earth (1979) • Cozy Powell - Over the Top (1979) • Bernie Marsden - And About Time Too (1979) • Rainbow - Monsters of Rock (1980) • Bernie Marsden - Look At Me Now (1981) • Cozy Powell - Tilt (1981) • Michael Schenker Group - M.S.G. (1981) • Graham Bonnet - Line Up (1981) • Michael Schenker Group - One Night at Budokan (1982) • Jon Lord - Before I Forget (1982) • Robert Plant - Pictures At Eleven (1982) • Cozy Powell - Octopuss (1983) • Whitesnake - Slide It In (1984) • Phenomena - Phenomena (1985) • Roger Daltrey - Under a Raging Moon (1985) • Rainbow - Finyl Vinyl (1986) • Emerson, Lake & Powell - Emerson, Lake & Powell (1986) • Forcefield - Forcefield I (1987) • Pete York / Cozy Powell - Super Drumming (1987) • Don Airey - K.2. (1988) • Forcefield - Forcefield II (1988) • Gary Moore - After the War (1989) • Black Sabbath - Headless Cross (1989) • Forcefield - To Oz And Back (Forcefield III) (1989) • Black Sabbath - Tyr (1990) • Forcefield - Let the Wild Run Free (Forcefield IV) (1991) • Cozy Powell - The Drums are Back (1992) • Forcefield - Instrumentals (1992) • Brian May - Back To The Light (1993) • Black Sabbath - Forbidden (1995) • Glenn Tipton - Baptizm of Fire (1997) • Cozy Powell - The Best of Cozy Powell (1997) • Yngwie Malmsteen - Facing the Animal (1997) • Brian May - Another World (1998) • Cozy Powell - Twin Oaks/Especially For You (1999) • Tony Martin - Scream (2005) • Tipton, Entwistle & Powell - Edge of the World (2006)
SU MUSICA:
ES AGRADABLE ESTAR DE NUEVO "ON THE ROAD", CON TODOS VOSOTROS.
Nadie se imagina a los indios, tocando rock, ¿verdad? Pues bien aquí tenemos a los Redbone, cuyo nombre fué sacado de una broma del vocabulario Cajun, y que define las personas de raza mezclada, son un grupo que se formó allá por 68, en Los Angeles, California, de las manos de los hermanos Pat y Lolly Vegas, tenía como músicos a Lolly Vegas (recientemente desaparecido) voz y guitarra, Tony Bellamy voz y guitarra, Pat Vegas voz y bajo y aún Pete ‘Last Walking Bear’DePoe en la batería.
Nativos norteamericanos, que con sus canciones y letras, reivindicaban, la lucha que padece este pueblo de hecho uno de sus mayores y reconocibles exitos fué "Todos fuimos heridos en Wounded Knee" "We were all wounded at Wounded Knee" canción magistral que alude a la matanza del pueblo Lakota a manos del 7º de caballería estadounidense en 1890, sucesos horripilantes enmarcados en el contexto historico de las guerras indias.
Llego ha ser un éxito en toda Europa, pero en Estados Unidos inicialmente fué prohibida y, aunque finalmente vió la luz, la mayoría de estaciones de radio no la difundieron.
Grupazo que tocaba Psycho, Blues, Tribal y Cajun además de toques de Jazz y Pop mezclados, tiene en su letras y su estilo de tocar, una gran parte de la cultura Cajún y de New Orleáns. Hoy pienso acercaros a uno de sus grandes Hits (y que a mi me fascina desde el primer día que lo escuche) " La Reina Bruja de Nueva Orleans" "Witch queen of New Orleans" (1971) y que es la muestra perfecta del estilo de este grupisimo, espero que os guste.
P.D. Esto si que es musica de mezcolanza y no ricitos Bisballl.
P.P.D. Aqui os dejo la letra hale que disfruteis.
Marie marie la voodoo veau she'll put a spell on you. marie marie la voodoo veau she'll put a spell on you. marie marie la voodoo veau she's the witch-queen oh of new orleans Of new orleans. I'm gonna tell you a story Strange as it now seems of zombie voodoo gris gris and the witch-queen of new orleans. she lived in a magic possessed by the devils skew from a shack near the swamp lands made of mud be brick. marie stirred her witches brew. Marie marie... Dime or a nickel anyone could buy voodoo of any kind she had potions and lotions herb and tanna leaves guaranteed to blow your mind early one mornin' into mucky swamp dew vanished marie with hate in her eyes tho' she'll never return all the cajuns knew a witch-queen never dies.
Intérpretes: The Band, Neil Young, Bob Dylan, Martin Scorsese.
Título original: The Last Waltz
Año: 1978
Duración: 111 min.
Nacionalidad: EE.UU.
Género: Documental
Película documental sobre el concierto de despedida del grupo The Band, acontecido el Día de Acción de Gracias del año 1976.
Todo empezó por la decisión de tirar la toalla de The Band. Llevaban más de quince años en la carretera, habían editado magníficos discos que combinaban las raíces country-blues de su país, con emanaciones de rock sucio y vibrante, las mismas que contagiaron al cantautor Dylan a mediados de los setenta y le obligaron a cambiar la guitarra acústica por la eléctrica.
Bob Dylan
El disco Music for the Big Pink (1968), y las giras acompañando a Dylan fueron su testamento más importante. Lo habían logrado todo y querían probar nuevos caminos por separado.
La importancia de The Band en la música americana, junto con la amistad que unía a su líder y guitarrista Robbie Robertson con Scorsese, fueron la génesis del film.
Scorsese y Rick Danko
El adiós a la música del grupo no pudo contar con mejor testimonio que este soberbio trabajo documental, una de las cumbres en la cinematografía de este destacado director estadounidense.
En esta joya llamada “El último vals” Scorsese, vincula sus pasiones culturales para realizar este monumental documento sobre el concierto de despedida de esta fenomenal banda de rock llamada The Band.
The Band
Con esta película el autor neoyorquino ofrecía un valioso ejemplo de cómo abordar este tipo de proyectos, con una puesta en escena que sobrepone el valor y la comunión de la música, el público y sus intérpretes, al ejercicio de estilo onanista y autocomplaciente, el cual termina hastiando hasta niveles de imposible soportabilidad, distrayendo más que exponiendo, alejando más que acercando.
Diagrama de producción
Todo ello sin perder un lúcido aspecto visual y un tono cercano a sus partícipes que nos aproxima de manera directa y personal al disfrute de su obra y a la atención de sus pensamientos.
Aunque toda la película resulta memorable y un auténtico regalo para los amantes del rock de verdad, no el del marketing o el de la bobería, existen momentos cumbre, inolvidables, como la reunión de la banda con Ronnie Hawkins, su primer mentor cuando The Band se hacían llamar The Hawks,
Ronnie Hawkins y Robbie Robertson
la intervención de Neil Young interpretando la excelente canción “Helpless”, que había grabado junto a Crosby, Stills & Nash;
Neil Young
el antológico duelo guitarrero entre Eric Clapton, impertérrito y esplendoroso en su apostura de dios de las seis cuerdas antes de acomodarse comercialmente, y Robertson, en contraste, con su excitable y excitante estilo interpretativo;
Eric Clapton
Robbie Robertson
la participación de Muddy Waters, filmada en plano secuencia porque hubo un fallo en el resto de cámaras
Muddy Waters
o la majestuosa aparición de Bob Dylan dando inicio a la balada “Forever young” para animar el ritmo con posterioridad con la soberbia “Baby let me follow you down”.
Bob Dylan y Robbie Robertson
Tampoco podemos olvidar la intervención de leyendas musicales como la del irlandés Van Morrison,
Van Morrison y Rick Danko
la del Dr. John y su piano cantando de manera espléndida “Such a night”, la de Joni Mitchell, quien también hace coros a Young, la de Paul Butterfield con su armónica, o la de la gran dama del country Emmylou Harris, quienes se unen, con las adiciones estelares de Ringo Starr y Ron Wood, en un apoteósico final cantando el tema de Dylan “I shall be released”.
El trabajo de Scorsese en el concierto se vería complementado en el montaje final con entrevistas a los miembros de la banda.
Richard Manuel
Si la actuación transmite el latido de cada instrumento, las emociones, la camaradería, el rock n´roll, las entrevistas son una disección espontánea de una banda en su lado más íntimo. Algunas entrevistas fueron realizadas a miembros completamente ebrios (la cogorza del pianista Richard Manuel es más que notable),
Garth Hudson
improvisan canciones en el sofá, hablan sobre sus duros orígenes en la música, de las chicas en la carretera y divagan acerca de la historia de la música de su país. Sin tapujos, tal y como son. Como no podría ser de otra forma, a la honestidad e inconformismo de The Band,
Levon Helm
Scorsese responde con una planificación simple y sin exhibicionismos.
Rick Danko
Al concierto y entrevistas, Scorsese también añadió unas actuaciones de The Band en los estudios Metro Gldwyn-Meyer de Cuver City, donde interpretan la pieza instrumental The last waltz, compuesta para la ocasión,
Van Morrison, Bob Dylan y Robbie Robertson
además de otros hitos de su carrera, como la bellísima The weight, junto con los Staple Singers.
Staple Singers
En suma, los tres segmentos que conforman el film, sabiamente entrecruzados, ofrecen una panorámica sincera y desnuda de lo que significó The Band.
Nunca jamás el rock y el cine han alcanzado cotas tan colosales. Glorioso documento.
The Band: Richard Manuel, Garth Hudson, Levon Helm, Robbie Robertson y Rick Danko
